Las esculturas de vidrio roto de Marta Klonowska

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Marta Klonowska es una artista polaca que combina el arte con pedazos de vidrio para crear unas brillantes y translúcidas esculturas de animales.

Klonowska estudió en la Academia de Bellas Artes en Wroclaw (Polonia) y posteriormente en Düsseldorf, en dónde descubrió que el vidrio sería su medio artístico.

A partir de botellas rotas y vidrios que eran considerados chatarra, la artista recrea animales que aparecen en diversas pinturas barrocas y románticas de diferentes artistas como Peter Paul Rubens o Francisco de Goya.

El proceso de construcción de estos animales comienza con una estructura de metal y una malla que sirve para moldear el contorno del animal, posteriormente, Marta coloca el vidrio pieza por pieza hasta cubrir toda la superficie.

 

Martha Klonowska, Velsquez (revival) with dog, Berengo Studio (Milan) - American International Fine Art Fair 2013, Palm Beach, Florida - Homa Nasab for MuseumViews - 89

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Marta Klonowska en el proceso de construcción de las esculturas.

“Baitogogo”, instalación orgánica de Henrique Oliveira

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Una sala en el interior del Palais de Tokyo en Paris ha sido transformada por la instalación del artista brasileño Henrique Oliveira.

Esta instalación llamada “Baitogogo” conformada por un caótico entramado de ramas que en conjunto con las vigas del edificio conforman un híbrido, expone las contradicciones entre el caos y  el orden, generando una armonía en el interior de la sala.

Al igual que todas las obras de Oliveira, “Baitogogo” logra la transformación de un lugar común en una escultura orgánica, generando que el arte y la naturaleza se unan para combinar a la perfección con la arquitectura del lugar, dando la impresión de que estas ramas siempre pertenecieron a la estructura del recinto.

La creación de esta original estructura fue a partir de materiales reciclados y también se utilizó madera tapume, que es muy común en Brasil.

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En este video se muestra el proceso para la creación de Baitogogo

La escultura de pixeles de Luke Jerram

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Luke Jerram es un artista británico que fusiona sus obras con sus estudios científicos. Jerram basa principalmente sus obras en la creación de esculturas, instalaciones y performance que han sido exhibidos en todo el mundo.

Su más reciente creación es una escultura de pixeles en donde utilizó a su hija, Maya como modelo. Esta niña de pixeles se encuentra en una estación de tren de Bristol, Inglaterra. Desde lejos, cualquiera pensaría que se trata de cualquier niña, sin embargo, a medida que alguien se acerca, se descubre que se trata de una escultura 3D.

Jerram logró  esta obra mediante la combinación de una tomografía del cuerpo de su hija, que fue  capturada con un sensor Kinect Xbox y  obtuvo una exploración más detallada de su cabeza en el Centro de Visión de Máquina de la Universidad de Bristol.

La imagen obtenida se separó digitalmente en cubos tridimensionales y la escultura se construyó a partir de láminas de aluminio cortadas con precisión por un cortador de chorro de agua. Más de 5.000 pequeños stickers de color se imprimieron y se fijaron a la base de aluminio para crear la escultura pixeleada, dando como resultado un objeto tridimensional sacado del mundo digital 2D.

 

 

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Botones suspendidos que forman objetos cotidianos

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El artista argentino Augusto Esquivel utiliza botones e hilo para crear estas espectaculares esculturas en3D.

Desde un piano a una simple flor, cualquier objeto puede servir de inspiración para Augusto Esquivel, que construye sus obras a partir de un simple objeto cotidiano como es un botón.

“Un objeto, aparentemente sólido, a la vista también puede ser frágil e inconsistente, al tacto. Un objeto común utilizado para crear una obra de arte se transforma en algo complicado e intrigante. Al igual que un átomo en una molécula, cada botón sirve y da forma al conjunto”.

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Willy Verginer, historias inverosímiles

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El trabajo de Willy Verginer (1957). El artista italiano crea hermosas esculturas en madera, a tamaño natural, con vocación de contar historias de corte surrealista. Generalmente las obras Verginer están talladas de una sola pieza y con gran maestría logra dotarlas de complejos detalles como los pliegues de la ropa o las arrugas. En ocasiones las esculturas forman impresionantes conjuntos que requieren de grandes instalaciones. Otro aspecto a destacar es la utilización de la pintura en sus obras, pues se decanta por colores segmentados que cubren únicamente áreas concretas de sus figuras, combinándolas en muchos casos con el propio tono natural de la madera.

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Esculturas de luz de Janet Echelman

La artista estadounidense, Janet Echelman, es una de las más renombradas mundialmente por su capacidad de transformar el espacio urbano con esculturas a escala de grandes edificios que además, se fundan con las fuerzas de la naturaleza: viento, agua y luz. Echelman toma un material bastante sencillo, cuerdas hechas de fibra de poliéster y las alumbra con luces de colores para darle vida a sus esculturas masivas, mostrando la existencia simultanea de la luz y la arquitectura. De día, la malla de fibras sin duda destaca por su composición a gran escala, sin embargo, es en la noche cuando la luz golpeada contra cada cuerda, salta a la vista con colores brillantes, estimulando todo tipo de reacciones emotivas. Nuestros ojos son receptores de longitudes de ondas de luz, cuando estos se procesan en el cerebro, hay reacciones hormonales que toman lugar. El resultado final de la luz que llega frente a la materia, es aquella de una experiencia totalmente sensorial.

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Su premiada instalación que abarca dos manzanas de la ciudad en el centro de Phoenix,Her Secret is Patience (“Su secreto es la paciencia”), se ha acreditado como un lugar quefomenta la identidad y la revitalización urbana. Este trabajo redefine el “espacio de arte”, dirigiendo a los ojos de los espectadores hacia el cielo donde se centran en un nuevo objeto celeste. Diseñado por VOX Lighting, por la noche, la iluminación cambia de color gradualmente de acuerdo a las estaciones del año mediante una programación computarizada. El objetivo en la selección de los colores es proporcionar a los residentes un poco de alivio climático: la adición de tonos fríos en verano, y tonos cálidos en invierno. El diseño de la iluminación también cambia de acuerdo a la parte de la escultura que se desea iluminar, dejando otras partes oscurecidas.

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El proyecto, 1.26, dio apertura a la Bienal de las Américas en Denver, y viajó a Sydney, Australia. El diseñador de iluminación a cargo de esta serie fue Joseph Gann de Richter Scale Productions. Debido a que esta monumental escultura está hecha de materiales blandos, es animado fácilmente por el viento. Su forma fluida en movimiento contrasta con las superficies rígidas de la arquitectura del entorno urbano. Por la noche, la iluminación de color transforma la obra en una forma flotante, luminosa, mientras que la oscuridad oculta los cables de soporte.

Fuente: http://www.archdaily.mx/

Esculturas de papel flotantes.

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Al igual que poco a poco se encrespa hojas otoñales o las increíbles criaturas flotantes de las profundidades, las esculturas de papel de Peter Gentenaar son bastante impresionantes. Las piezas son creados al permitir que la pasta se seque y encogerse con un marco de bambú fino. Su exposición actual en la iglesia de la abadía de Saint-Riquier en el norte de Francia ofrece el telón de fondo etéreo perfecto.

Via Peter Gentenaar

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Green House del artista coreano Kyung Woo Han.

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El artista Kyung Woo Han consigue demostrar que todo es relativo, creando inquietantes instalaciones que nos hacen reparar en lo importante que es la percepción y el punto de vista personal de las cosas, y donde el que ve y lo que se ve están estrechamente vinculados y las cosas existen en la medida que ambos se relacionan.

Bernard Pras, utiliza chatarra para convertirla en obras de arte.

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Bernard Pras artista francés utiliza chatarra y materiales de desecho para crear sus grandes “pinturas”, cuya construcción visual se asemeja a la de las obras maestras junkyard artista Vik Muniz y collages de revistas. Como Muniz, Pras se centra en obras clásicas y los artistas detrás de dichas creaciones. El resultado de sus valientes esfuerzos en la compilación de cada uno de sus temas es un enorme retrato escultórico compuesto por objetos sueltos al azar todavía colocado cuidadosamente.

Fuente: http://doloresdepalabra.tumblr.com/

JEFF NISHINAKA Escultor

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Nacido en Los Angeles, el escultor Jeff Nishinaka ha ganado el reconocimiento internacional en los últimos 15 años a través de sus singulares formas de representación del arte 3D. Él ha sido el encargado de crear esculturas para coleccionistas privados, editores y clientes multi-medios de comunicación. En 1992 Jeff recibió la premiación de los Ilustradores Dimensional en Nueva York y ha expuesto en Estados Unidos y Japón.

 

 

 

 

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