Fotografías fantásticas sin retoque

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Photoshop es una herramienta que se ha convertido en un medio imprescindible al momento de crear obras de arte para muchos fotógrafos o artistas visuales, pero para la artista coreana Jee Young Lee simplemente es un recurso innecesario.

Jee crea a través de la fotografía, escenas surrealistas y fantásticas en pequeños estudios de 3 x 6 m, en dónde cada elemento que incorpora esta hecho con sus propias manos. Estas fotografías inspiradas en sus memorias o en sus sueños, nos transportan a mundos llenos de color con ideas atrevidas que parecen sacadas de cuentos.

Estas imágenes requieren de un largo proceso y de mucha paciencia para crear a detalle la idea de la artista, muchas incluso le toman semanas y hasta meses para estar perfectas sin recurrir a ninguna herramienta de edición.

En el siguiente video puedes ver el proceso de Jee para la construcción de los escenarios que se convierten en fotografías sorprendentes.

 

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El surrealismo en fotografía de Lara Zankoul

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Lara Zankoul es una fotógrafa libanesa que tiene la habilidad de crear conceptos surrealistas a través de su cámara, asombrosamente crea mundos fantásticos que hacen pensar y soñar a los espectadores y los plasma en sus fotografías.

Lara se graduó de la American University of Beirut con una maestría en Economía, sorprendentemente no estudió fotografía, sólo empezó a experimentar con su cámara y photoshop y a partir del 2008 se convirtió oficialmente en fotógrafa.

Su pasión inició como un escape de pasar su día en un cubículo durante su trabajo de tiempo completo, esta necesidad se convirtió en un medio para explotar su imaginación y crear cosas increibles. Su primer proyecto fue en 2009 y consistió en tomar una fotografía diaria durante un año. El éxito de su trabajo y su talento la ha llevado a participar en muchas exhibiciones locales e internacionales.

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Afortunadamente tuve la oportunidad de realizar una serie de preguntas a Lara para conocer un poco más sobre ella y su obra, esto es lo que contestó:

¿Siempre te gustó la fotografía? o ¿cuándo te diste cuenta de que te gustaba?

Siempre me ha gustado ver fotografías interesantes pero nunca pensé que un día me convertiría en fotógrafa. Después de empezar mi primer trabajo de tiempo completo, decidí comprarme una cámara profesional y el viaje comenzó.

Entiendo que aprendiste fotografía tu sola, ¿cómo aprendiste?

Aprendí principalmente por experiencia y probando esto yo sola. Siempre me ha gustado descubrir cosas por mi misma, en lugar de tener a alguien enseñándome. Solía leer tutoriales en línea y experimentar con mi cámara y Photoshop hasta conseguir el resultado deseado.

¿Te gustaría estudiar formalmente fotografía?

Estoy realmente feliz con el modo que las cosas han resultado con la fotografía, ha sido muy espontáneo y apasionado y no lo habría hecho de otro modo. Fui libre de cualquier “regla” y esto me permitió descubrir e intentar cualquier técnica/composición/colores y estilo que cruzó por mi cabeza.

Tienes una maestría en economía, ¿planeas trabajar en eso o dedicarte solamente a la fotografía?

Ya trabajo como investigadora de economía en una compañía multinacional y por otro lado práctico fotografía. Prefiero mantener esta vida doble porque la sequía del mundo de los negocios me mantiene hambrienta de crear arte.

Tus fotografías conceptuales son escenas surrealistas, ¿te inspiran tus propios sueños o prefieres crear nuevos conceptos para tus fotografías?

Rara vez me inspiro por mis propios sueños, sin embargo, sueño despierta mucho y de ahí es donde surgen muchos de mis conceptos. Las personas que me conocen, saben que soy una soñadora con una mente en otro lado. Me gusta crear mis propios conceptos y filosofías y visualizarlos primero en mi mente y luego en pixeles.

Hay una serie en donde utilizaste una taza de té gigante, ¿cómo surgió esa idea?

La idea original que vino a mi mente era tener a una chica sentada dentro de una taza gigante de té flotando en el mar, pero me dije que era imposible lograr esta fotografía sin manipularla en Photoshop, así que decidí olvidarlo, pero la idea siguió girando en el fondo de mi mente y seguí intentando averiguar cómo podría hacerlo. Un día, se me cruzó la idea del poliestireno y supe que eso era! decidí modelar una taza de té gigante de poliestireno con la ayuda de un empresa especializada en poliestireno, pinte la taza y empecé a fotografiar la serie de la taza de té con eso.

¿Para ti qué representa esa taza de té?

La taza de té significa muchas cosas para mi. Aparte de la inspiración de Alicia en el País de las Maravillas, me inspiré por la tradición libanesa de tomar mucho té y café.

Muchas fotografías muestran elementos de la naturaleza, sobre todo el agua, ¿este elemento tiene un significado especial para ti?

El agua es una importante fuente de inspiración para mi. El mar es muy romántico, poético, nostálgico y misterioso. Me siento muy atraída por el sonido de las olas rompiendo en las rocas o el suave arrullo del mar.

¿Cómo surgió el concepto de “Magical Room”?

Empezó después de que tome fotografías dentro de la vieja casa de mis abuelos en nuestro lugar de origen. Las fotografías tenían el mismo concepto de una chica en un cuarto en donde sucedían escenas y situaciones surreales, así que decidí crear una serie y construirla a partir de eso.

¿Cuál es el proceso que utilizas para realizar las “motion pictures”?

El proceso combina video y fotografía, sin embargo prefiero no revelar mi técnica porque no quiero matar la magia que hay detrás de eso. Algunas veces me siento algo engañada cuando descubro los procesos de otros artistas, así que creo, en mi humilde opinión, que siempre es bueno mantener un poco el misterio detrás de una obra de arte.

¿Cuál crees que ha sido tu mejor fotografía y por qué?

Mi nueva serie que no he lanzado aún. No puedo revelar la idea de la serie pero todo lo que puedo decir es que fue una experiencia desafiante y siento que llevó mi fotografía a otro nivel… así que estén alerta! Será revelada pronto en mi página de facebook (Lara Zankoul Photography).

¿Te gustaría incorporar otro tipo de fotografía o planeas seguir con el mismo estilo?

Cambiar es bueno y necesario mientras mantenga mi propia identidad. Mientras crezco y me desenvuelvo, mi arte seguirá esa línea. No deseo estancarme en un solo estilo y caer en redundancia.

En el futuro, ¿planeas incorporar nuevos proyectos además de la fotografía?

Ya he comenzado a crear arte en video con mis “motion pictures” y me gustaría seguir presionando mis límites y probar nuevos medios de arte.

¿Qué quieres que la audiencia sienta cuando vean tus fotografías?

Me gusta hacer que el espectador piense, sueñe o se sorprenda. Espero hacer fotografías poderosas que deslumbren la verdad psicológica humana. Quiero que mis fotos sean espejos psicológicos para las personas que las vean.

¿Qué cámara utilizas?

Empecé con una Sony Alpha 200 y cambie a una Canon 5d Mark II en enero 2012.

¿Cuáles son tus fotógrafos favoritos?

Mis fotógrafos favoritos son Tim Walker y Annie Leibovitz, sin embargo, últimamente me he inspirado más por pintores como Dalí y Magritte y por pinturas renacentistas.

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Para conocer más sobre el trabajo de Lara Zankoul puedes visitar su página: Lara Zankoul Photography

 

Minúsculos apartamentos en Hong Kong

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Muchas personas que viven en Nueva York podrían creer que tienen un “pequeño” apartamento. Con esta serie de fotos de pisos pequeños, puede ser que reconsideren y eso es exactamente lo que la Sociedad de derechos humanos para la Organización Comunitaria (SoCo) quería cuando se encargó del proyecto.

A mediados de 2012, Hong Kong fue calificada como una de las ciudades del mundo  más habitables, y como es normal,  los problemas más importantes de una ciudad fueron empujados a un lado e ignorados. En un intento por aumentar la conciencia sobre las viviendas inadecuadas en Hong Kong y sobre el porcentaje de personas que sobreviven en viviendas muy pequeñas, SoCo desarrolló estas serie de fotos.

A menudo, no son más grandes que un cubículo de oficina, los apartamentos (de 40 metros cuadrados en promedio) son subdivididos para rentarlos individualmente. Cada fotografía hecha con un gran angular, retratan a los habitantes  junto con sus pertenencias, sobreviviendo en estos espacios hacinados.

Fuente: http://www.mymodernmet.com/

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“Fogo Island”

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Squish Studio realizó esta serie de fotografías: “Fogo Island” sobre una isla al norte de Terranova, Canadá. Una selección de paisaje realizada por el fotógrafo Julien Pelletier.Fogo-Island-640x426

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SOMBRAS POR ALEXEY BEDNIJ

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Las imágenes del fotógrafo ruso Alexey Bednij nos hacen cuestionarnos si es que tiene una paciencia fuera de lo normal, pues todas sus fotografías están perfectamente cronometradas para lograr diferentes efectos con las sombras; éstas dan la sensación de haber sido tomadas en el momento justo, pero sabemos que esto es imposible cuando se trabaja con animales animales. Todo está perfectamente situado, alineado y en una posición adecuada para que se vean todas las sombras.

Si hacemos un cuidadoso análisis y prestamos atención a las imágenes, podemos observar que las sombras se disparan en direcciones multiples, lo que nos indica que es otro trabajo de manipulación digital. Esto no lo denigra, pues continúa siendo interesante.

Alexey Bednij se dedica a crear todo tipo de arte con sombras, su herramienta principal de trabajo. Aquí les presentamos algunas fotografías de grupos de palomas, gatos, perros y gente. Las composiciones de Bednij crean un patrón visual de formas, tanto en los espacios negativos como positivos.

Enrique Muda. SPLIT

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Estoy interesado en lo extraordinario que surge de lo cotidiano. La realidad es rica, compleja e impredecible. El día a día está repleto de momentos que parecen simbólicos, mágicos o metafóricos. Momentos donde se produce un Split: división, abertura, escisión o rajadura. Las cualidades de la cámara fotográfica: 250 veces más rápida que un segundo nos permite poder fijarlos.

Texto: http://eldadodelarte.blogspot.mx/

Marcos Betanzos y su trabajo fotográfico en el Bordo de Xochiaca

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El fotógrafo Ferdinando Scianna dice que la fotografía es una lectura, no una escritura. Y las imágenes de Marcos Betanzos revelan un punto de vista sobre el tiradero del Bordo de Xochiaca y los cientos de familias que viven de la basura. Su proyecto visual, “Carreteros: historia de una migración urbana”, dignifica a las personas y al lugar de casi ocho kilómetros de largo ubicado en Nezahualcóyotl, Estado de México.

Todo comenzó en mayo de 2009 cuando fue inaugurada “Ciudad Jardín Bicentenario” por parte del entonces gobernador mexiquense, Enrique Peña Nieto y el magnate Carlos Slim. Ahí se dijo que gracias al moderno desarrollo de usos mixtos, el progreso había llegado a Neza. Que las 12 millones de toneladas de basura acumuladas en 110 hectáreas pasarían a la historia. Sin embargo, para construir el centro económico, deportivo y de servicios, tuvieron que reubicar a 600 familias de pepenadores que vivían y laboraban ahí. Con un futuro incierto, tuvieron que instalarse en el vertedero Neza II.

Marcos cuestionó la idea de “plaza comercial es igual a progreso social”. Para el fotógrafo oriundo de ese municipio todo era una escenografía, un sistema de consumo que simulaba beneficios reales. Ver a la plaza comercial como una figura de estatus social para decir “yo no voy al mercado, compro en el super”. Precisamente, los primeros pobladores de Neza fueron los pepenadores y ahora levantaron una especie de muro para ocultar la cruda realidad.

Tardó nueve meses para tomar la primera fotografía de la serie. Quiso conocer primero a las familias desplazadas, dónde vivían, cómo trabajaban, quiénes eran los líderes de las seis organizaciones recolectoras de basura, cuya labor se realiza a través de carretas que son jaladas por caballos o burros. Sus fotos ayudan a la memoria, a recordar lo que nunca ha cambiado: miseria y pobreza. ¿Cuántos jóvenes de esas familias desplazadas podrán ingresar a la Universidad LaSalle o acceder al hospital VIVO de “Ciudad Jardín Bicentenario”?

Las 30 fotografías de “Carreteros: historia de una migración urbana” son imágenes de tiempo, la lectura de un espacio donde el día no se sabe ni la hora. No importa si es tarde o temprano para ese paisaje lúgubre. Sólo las familias, los ladridos de los perros, el ruido de las ratas, las montañas de basura y las nubes de otoño dan ese terco esplendor. Son fotos que no hacen mal a nadie porque no engañan, no hay retoques, ni photoshop.

En dos años tiró 15 mil fotos y tuvo que hacer una primera selección de 100 imágenes. El filtro final estuvo a cargo de amigos y colegas como los fotógrafos documentalistas Federico Gama y Pablo Allison; el fotógrafo de arquitectura, Sófocles Hernández; los arquitectos Sindy Martínez, Erik Carranza, José Muñoz Villers; y Ricardo Noriega.

“Quiero generar una empatía, evitar la compasión y la victimización. La basura es como un vestigio arqueológico de nuestra sociedad contemporánea y además es un espejo de nosotros”.

-¿Cómo fue el proceso de conocer y fotografiar a las familias de Neza II?

Lo que hice fue subirme a una de esas carretas para preguntar si alguien me podía ayudar a entrar a ese lugar. Todo mundo dice que hay que separar la basura, pero nadie profundiza en qué repercute y nadie intenta quitar esos estigmas hacia los pepenadores. Muchos dicen deberían de quitarlos, pero el problema no son ellos, somos nosotros, la sociedad de consumo. Ellos al final del día hacen un trabajo en beneficio de nosotros. Ahí es donde empecé a cuestionar esta relación del progreso y los supuestos beneficios de la plaza comercial.

-¿Por qué hiciste tu primer click luego de nueve meses de visitar el Bordo de Xochiaca?

Una vez intenté entrar con la gente de las carretas y tenían miedo porque me decían “es que el líder no nos va a dejar, tendremos problemas”. Siempre me dejaban a la entrada. “Si quieres pasar es tú bronca”. En algún momento me tuve que animar y comencé a contactar a los líderes. Fueron nueve meses en los que estuve inmerso en la basura. Iba tres veces a la semana al tiradero porque quería involucrarme con las personas, en esa estructura social y desmitificar la imagen de los pepenadores. Había carreteros, vigilantes, los líderes, la gente que separa la basura o señoras que se dedicaban a preparar comida. Convencí a varios líderes de que yo no quería hacer una denuncia, sino un documento mucho más profundo, ver más allá de la miseria. Documenté año y medio para estructurar la exposición y hasta le fecha sigo visitando el tiradero.

-¿Cuál fue la primera foto que tomaste?

Cuando llegué a la zona pensé que lo único que podría retratar eran las casas construidas con basura. Quería entender sus procesos de reutilización y construcción de esos espacios. Estaba tratando de retratar un lugar donde venden forrajes y de repente se asomó un burro y lo capturo. A partir de esa imagen empecé a darme cuenta que el proyecto iba a requerir dos cosas: quitarme prejuicios y tener mucha paciencia para esperar a que el proyecto se revelara así mismo. Esa imagen me hizo entender que tenía que tener la paciencia suficiente para esperar que la poesía del lugar se revelara y creo que fue así. La primera vez que fui observé moscas gigantes, percibí un olor penetrante, escuché mis pisadas al caminar sobre la basura. Nunca estás preparado para ver o vivir ciertas cosas. Mucho menos para oír esa melodía que produce el trote de los caballos o las moscas llegando a tu cara.

-¿Cuáles fueron las principales dificultades que tuviste para retratar un lugar caóticamente humano?

Sé de amigos fotógrafos que intentaron hacer el proyecto y no lo lograron, me siento terco y afortunado. En el caso de los líderes, por ejemplo, fue muy difícil encontrarlos. Hablé con tres de los seis y fueron los que al final me abrieron el lugar. No me dejaban tomar fotos y me decían: “Viniste a hablar, ¿no?”. Fue un tanto ese juego con ellos y que se dieran cuenta de que no quería hacer una especie de denuncia. Para que confiaran en mí regalé a la gente sus fotos para que entendieran la visión del proyecto y se pudieran acercar. Tuvieron más certeza y me permitieron entrar a sus casas, a conocer sus familias, hubo más comunión.

-¿Por qué te apoyaste en conceptos del escritor Jaime Labastida? ¿Cómo influyó en esta serie fotográfica?

La literatura me fascina y el escritor Jaime Labastida es uno de mis consentidos. Él tiene un ensayo que se llama “Cuerpo, territorio y mito”, uno de mis libros de cabecera. La estructura del proyecto evoca a ese ensayo porque yo no sabía como llamarlo, ni estructurarlo. Definí que se llamara así por la visión holística del tema que tenía ante mí. El carretero: ese personaje que me llevó a su universo y descubrí muchas historias que se pueden narrar a través del cuerpo. Por otro lado, está la migración: movimiento constante del territorio de la basura y ciudad Neza vinculado al tiempo. Finalmente está el mito: lo heroico y lo extraordinario de poder sonreír en un lugar como ese. Es la conexión entre lo más terrenal y lo poético. Conectar la tierra y el cielo a través del tiempo.

-¿Qué aspecto de la realidad de los pepenadores o de los carreteros te llamó la atención?

Su dignidad y capacidad de afrontar el día a día. “Te garantizó que mañana saldrá el sol”, me dijo un carretero en alguna ocasión. Su salario por recolectar la basura es más o menos de 150 pesos al día. Pero si le quitas lo que le tiene que dar al líder por el alquiler de la carreta y el alimento para el caballo, se queda con sólo 100 pesos trabajando más de 12 horas. Hay un sistema comercial de caballos en Tepeaca, Puebla, o de ranchos hípicos de la ciudad, muchos de ellos enfermos e incapacitados para seguir compitiendo en el hipódromo, terminan ahí viviendo una vida que podría ser su infierno. Para comprar un caballo necesitas siete mil pesos. Es decir, si quieres ser carretero tienes que tener 17 mil pesos para laborar: 10 mil por la carreta y siete mil del equino. Por eso la gente cuida mucho a sus caballos. Esa gente no tiene un sueldo fijo, recolecta la basura y perciben en promedio cinco pesos por cada casa que visitan. Por eso tienen que hacer muchos viajes para tratar de juntar el mayor dinero posible.

Marcos Betanzos es arquitecto y fotógrafo por convicción. Antes de terminar la carrera en la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del Poli en Tecamachalco, ya escribía artículos para la revista escolar y para “Obras”. Siempre quiso usar la cámara del fotógrafo que lo acompañaba en los viajes de trabajo (su sensei, Sófocles Hernández) y terminó su madre regalándole una Sony Alpha. Cursó varios talleres, teoría de la fotografía y el impulso final para congelar el tiempo se lo dieron colegas como Federico Gama, Claudí Carreras, Ernesto Bazán y Armando Cristeto.

Ya estaba un poco “asqueado” de la arquitectura y con una fase personal colmada de eclipses, pero la fotografía lo ayudó a explorar otra realidad. Así que decidió echarse un clavado a la basura: preservar la memoria y retratar con imaginación a las personas que sobreviven con sus historias permanentes. Como el caso de Juan Carlos, un joven carretero de 30 años, que quiere como a nadie a su caballo “El negro”. La carreta y el caballo son una extensión de su cuerpo. Mientras otros hacen cinco o seis viajes, el chavo de Neza prefiere dar tres vueltas para que su amigo “El negro” no se canse o no se lastime demás.

Una foto especial fue fortuita. Marcos quería retratar la ventana de una casa y en ese instante se asomaron Lupita, su hermanito y hasta brincó el gato. La relación con sus padres y con el menor Miguelito fue muy amistosa, tanto que retrató el primer aniversario del más pequeño de la familia.

“Nunca voy a olvidar cuando les pregunté de forma natural ‘donde está el pastel’ y se me quedaron viendo como diciendo ‘aquí no se celebran cumpleaños’. El caso de Lupita me dio mucho gusto encontrarme con esa mirada de una niña completamente instalada en la infancia, con una estética de su edad muy precisa y son cosas que jamás esperas encontrarte”.

El año pasado ganó el Premio de Fotografía Mirada Joven y la serie de “Carreteros” comenzó a exponerse en universidades privadas como la Ibero y el Tec de Monterrey, el Museo Británico-Americano en México, en la Fundación Sebastián, en la Galería de la Alianza Francesa, en la Galería La 77 y próximamente en la Galería José María Velasco.

La foto premiada llegó de la nada. Estaba sentado sin hacer gran cosa y de repente vio que un niño estaba jugando con su avión de plástico. Estaba saboreando su paleta de cereza y volaba su artefacto por nubes invisibles. En pocos segundos se le cayó su dulce en la tierra y Marcos desesperado le dijo: “No te vayas a meter eso en la boca, está sucia”. El niño lo volteó a ver y siguió saboreando su caramelo. Clic

Texto de animalpolitico.com

Ganadores del concurso Traveler Photo Contest 2012

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El pasado mes de agosto se anunciaron los

que organiza National Geographic anualmente. La fotografía ganadora del primer lugar, llamada “Butterfly”, fue capturada por Cedric Houin, en la que se retrata a una familia habitante del Corredor Wakhan en la intimidad de su hogar, una imagen en la que contrasta la tradición con la modernidad. Dense una vuelta por el link donde podrán disfrutar tanto de las fotografías ganadoras como las de otros participantes, igualmente interesantes.

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fuente: nfgraphics.com

 

Curso a distancia: Metafotografía / Reflexión y autoconciencia en la imagen contemporánea en Visions of Art.

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Este taller se centra en la fotografía autorreferente: imágenes que de alguna forma se refieren a su propio proceso de producción o al resultado del mismo (Van Gelder, Westgeest, Photography Theory in Historical Perspective, 2011), lo que también ha sido descrito por algunos autores como fotografía autoconsciente.

Aunque la metafotografía no es un concepto nuevo, la introducción de tecnologías digitales significó la democratización del medio fotográfico y la multiplicación de las imágenes, lo que parece haber llevado a fotógrafos y artistas a una praxis artística que investiga sobre el medio en sí y su propio lenguaje.

Tras una introducción teórica e histórica y a través de distintos enfoques planteados por artistas, fotógrafos y pensadores, los estudiantes serán motivados a experimentar con sus cámaras mediante ejercicios prácticos, concebidos con el fin de transformar sus ideas sobre la naturaleza de la fotografía en un resultado visual.

Este curso no es un taller de fotografía en sentido estricto, ni su objetivo es el perfeccionamiento técnico, sino más bien un espacio de creación libre para el experimento, el desarrollo de conceptos personales y su transformación final en fotografías.

El alumno podrá utilizar tanto cámara analógica como digital a su elección. Requisitos imprescindibles la curiosidad y el entusiasmo.

 

FORMATO DE INSCRIPCIÓN

Duración: Del 14 de Noviembre al 12 de Diciembre de 2012

Inicio del taller: 14 de Noviembre de 2012

Fecha Límite de Inscripción: 4 de Noviembre de 2012

Costo: €145 (190 dls.)

Descuento al cursar dos talleres simultáneos: 125€ c/u

Descuento al cursar tres talleres simultáneos: 110€ c/u

Idioma: Español

Modalidad 100% a distancia con material didáctico disponible 24hrs al día y videoconferencias semanales que se registran para consulta de las personas que no puedan asistir en tiempo real. Videoconferencias todos los miércoles a las 7pm horario Europa Central.

Seguimiento y tutoría contínua durante las cuatro semanas.

Cupo limitado a 20 personas

*Visions of art se reserva el derecho de cancelar el taller en caso de no contar con un mínimo de 10 participantes

Para inscribirse llenar la siguiente solicitud y le enviaremos detalles del pago: FORMATO DE INSCRIPCIÓN

 

PROGRAMA

Semana 1:
Introducción teórica e histórica
Ejercicio I

Semana 2:
La fotografía como espejo o ventana
Ejercicio II

Semana 3:
La fotografía como interacción entre el fotógrafo y la cámara
Ejercicio III

Semana 4:
Fotografía conceptual y fotografía construída
Ejercicio IV


Discusión final y revisión de ejercicios finales

Laura d’Ors

Laura d’Ors (ES, 1973) se licenció en Bellas Artes por la Academia de Bellas Artes y Diseño AKI (Holanda) en 2005, y su práctica artística se centra actualmente en el medio fotográfico. Ha expuesto en Holanda, España, Alemania, Italia y EEUU y ha impartido clases y talleres en Holanda y Dinamarca. Además de su obra personal, Laura forma parte de Atladóttir & d’Ors junto a la artista islandesa Dagmar Atladóttir. Laura trabaja entre Rotterdam y Berlin.

http://lauradors.com
http://thefirstcollection.is

“Markeringer” pinturas con luz en Copenhagen

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El artista Asbjørn Skou vive y trabaja en Copenhague, Dinamarca, donde crea murales, dibujos e instalaciones con proyecciones.

Uno de sus trabajos más notables consistió en una combinación de la antigua técnica del grabado con aguja y modernos proyectores para plasmar los dibujos en murales. La serie se llama Markeringer y fue proyectada en los alrededores de la estación de trenes Sjaeloer.

Fuente: http://www.arteycallejero.com/

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